चित्रकला की आधुनिकता का सफर

• जगमोहन बंगाणी

कला, हजारों वर्षों से हमारी भावनाओं और विचारों को व्यक्त करने का एक माध्यम रही है. हालांकि कलाकार कला-रूपों के माध्यम से अपनी भावनाओं को व्यक्त करते थे,  समय के साथ-साथ कला के रूपों में काफी बदलाव आया है. कला का निरंतर विकास, मानव के विकास को दर्शाता है और यह मान लेना भी आसान है because कि कला और मनुष्य एक दूसरे के साथ जुड़े हुए हैं. कला के रूप हमें विभिन्न कला आंदोलनों, कला- “वादों”, संस्कृतियों और यहां तक कि कभी-कभी समाजों को भी जानने में मदद करते हैं. कलाकारों के निरंतर अन्वेषण ने कला के इतिहास में कई कला परंपराओं को विकसित किया और हर बार कलाकारों ने पिछली पीढ़ी की तुलना में कुछ अलग खोज की है.

परंपराओं

यदि हम कला के आधुनिकीकरण के बारे में सोचते हैं, तो हम पाएंगे कि यह कलाकारों के अन्वेषण का परिणाम था. आज भी लोगों के लिए आधुनिक कला से अपरिचित because बनकर टिप्पणी करना आसान है, हालांकि मैं सोचता हूँ कि विभिन्न कला परंपराओं और कला आंदोलनों के बारे में उनके ज्ञान की कमी से उन्हें कला कार्यों का आनंद लेने में मदद नहीं मिलती है.

कला

यदि हम कला के आधुनिकीकरण के बारे में सोचते हैं, तो हम पाएंगे कि यह कलाकारों के अन्वेषण का परिणाम था. आज भी लोगों के लिए आधुनिक कला से अपरिचित बनकर टिप्पणी करना आसान है, हालांकि मैं सोचता हूँ कि विभिन्न कला परंपराओं और कला आंदोलनों के बारे में उनके ज्ञान की कमी से उन्हें कला कार्यों का आनंद लेने में मदद नहीं मिलती है. कला का आधुनिकीकरण के संदर्भ में बात करें तो जहां कलाकारों ने अभिव्यक्ति का एक नया तरीका विकसित किया. because “स्वच्छंदतावाद”, (आगे विस्तार से चर्चा की जाएगी) कल्पनाशीलता और चित्रमय कला-कार्यों की प्रतिक्रिया के स्वरूप अस्तित्व में आया. इससे पहले, चित्र-विषय कलाकारों के लिए चित्रों का प्राथमिक हिस्सा था. कला के आधुनिकीकरण के बाद यह “वस्तुपरक” हो गया. यह उल्लेखनीय है कि स्वयं चित्रों के बजाय चित्र की प्रक्रिया कलाकारों के लिए अधिक महत्वपूर्ण हो गई है.

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“स्वच्छंदतावाद” एक कला आंदोलन था, जो 18 वीं शताब्दी के अंत और 19 वीं सदी के प्रारंभ में फला-फूला. यह जर्मनी, इंग्लैंड और फ्रांस में शुरू हुआ और बहुत जल्दी पूरे because यूरोप में बह गया. “स्वच्छंदतावाद” एक कला परंपरा थी और आधुनिक कला के विकास का एक स्रोत बन गयी. “स्वच्छंदतावाद” को परिभाषित करना काफी कठिन है, क्योंकि इसकी उचित परिभाषा नहीं है. फ्रांसीसी कवि और कला समीक्षक “चार्ल्स बौडेलेर” ने लिखा है कि “स्वच्छंदतावाद” वास्तव में न तो विषय के चुनाव में और न ही सटीक सत्य में, बल्कि एक तरह से भावना में स्थित है.

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यहां हम उस प्रक्रिया की समीक्षा पर चर्चा करेंगे जिससे कला “आधुनिक” बन गई. चर्चा/तर्क को तीन खंडों में विभाजित किया गया है. सबसे पहले, मैं “स्वच्छंदतावाद” को रेखांकित करूंगा, जो कला के आधुनिकीकरण से पहले अस्तित्व में था. दूसरी बात, मैं 19 वीं शताब्दी के मध्य में फ्रांस में महान कला क्रांति का वर्णन करूंगा, because जो “स्वच्छंदतावाद” के साथ-साथ कला के आधुनिकीकरण के लिए शुरुआती चरण बन गया. अंत में, मैं इस अवधि के तीन सबसे महत्वपूर्ण कलाकारों का परिचय दूंगा, जिन्होंने कला के आधुनिकीकरण पर काफी प्रभाव डाला है.

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“स्वच्छंदतावाद” एक कला आंदोलन था, जो 18 वीं शताब्दी के अंत और 19 वीं सदी के प्रारंभ में फला-फूला. यह जर्मनी, इंग्लैंड और फ्रांस में शुरू हुआ और बहुत जल्दी पूरे यूरोप में बह गया. “स्वच्छंदतावाद” एक कला परंपरा थी और आधुनिक कला के विकास का एक स्रोत बन गयी. “स्वच्छंदतावाद” को परिभाषित करना काफी कठिन है, क्योंकि इसकी उचित परिभाषा नहीं है. फ्रांसीसी कवि और कला समीक्षक “चार्ल्स बौडेलेर” ने लिखा है कि “स्वच्छंदतावाद” वास्तव में न तो विषय के because चुनाव में और न ही सटीक सत्य में, बल्कि एक तरह से भावना में स्थित है. “स्वच्छंदतावाद”, प्रबुद्धता (एक दार्शनिक आंदोलन) के खिलाफ कलाकारों की प्रतिक्रिया थी, जो 18 वीं शताब्दी के बाद की अवधि में अस्तित्व में आई. यद्यपि यह कला की कोई विशेष शैली नहीं थी और केवल थोड़े समय के लिए चली, कई प्रसिद्ध कलाकार थे, जिनकी कलाकृतियाँ उन कलाकारों के लिए प्रेरणा बनीं, जिनका अनुसरण किया गया.

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यदि हम किसी भी कला परंपराओं के कलाकृतियों का निरीक्षण करते हैं, तो “स्वच्छंदतावाद” से पहले और बाद में, हम उनके बीच एक समानता पाएंगे, लेकिन “स्वच्छंदतावाद” की एक आम आलोचना यह है कि सभी कलाकारों की कलाकृतियां पूरी तरह से अलग हैं. कभी-कभी, “स्वच्छंदतावाद” के साथ इस अवधि के कला कार्यों को because संबंधित करना मुश्किल होता है. उदाहरण के लिए, चित्रकार “यूजीन डेलाक्रोइक्स” के चित्र कल्पनाशील हैं, जबकि ब्रिटिश चित्रकार “जॉन कॉन्स्टेबल” के चित्र  परिदृश्य यथार्थवादी और अकादमिक हैं. चित्रकार “विलियम ब्लेक” के अलंकारिक कलाकृतियों में एक दृढ़ता थी, जबकि ब्रिटिश चित्रकार “विलियम टर्नर” के परिदृश्य नाटकीय रोशनी से भरे थे. हम इस अवधि से पहले समान कला कार्यों के कई उदाहरण पा सकते हैं, लेकिन कला के आधुनिकीकरण को समझना काफी आसान है अगर हम “स्वच्छंदतावाद” के बारे में अपनी स्पष्ट समझ बना सकते हैं.

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यह माना गया है कि कलाकार “गुस्ताव कोर्टबेट” की पेंटिंग “द स्टूडियो ऑफ़ द पेंटर” (चित्र 1) को पेरिस में दूसरी अंतरराष्ट्रीय कला प्रदर्शनी में खारिज कर दिया गया था because क्योंकि उन्होंने इसे स्वीकृत कला परंपरा के अनुसार चित्रित नहीं किया था. उन्होंने अपना विरोध व्यक्त करने के लिए आधिकारिक सीमाओं के बाहर इस चित्र का प्रदर्शन किया, जिसने अन्य कलाकारों को प्रोत्साहित किया, जो सरकार की चयन प्रक्रिया से संतुष्ट नहीं थे.

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यह उल्लेखनीय है कि “स्वच्छंदतावाद” न केवल कला और कलाकारों से संबंधित था, बल्कि इसमें यूरोप के शुरुआती 19 वीं शताब्दी के संगीतकारों, कवियों और लेखकों के कई समूहों के कार्यों को भी शामिल किया गया था. मूल रूप से, इसने ग्रीक, रोमन और प्रकृति की कलाओं की नकल के बजाय आंतरिक भावनाओं और कलाकारों की कल्पना पर जोर दिया. यदि हम “स्वच्छंदतावाद” के बाद के कला कार्यों पर ध्यान केंद्रित करते हैं, तो हम पाएंगे कि कलाकारों ने because अपनी कला कृतियों को दूसरों के बजाय अपनी संतुष्टि के लिए बनाया. इसके अलावा, इस अवधि {“स्वच्छंदतावाद”} में कुछ कलाकार थे, जिन्होंने अकादमिक शैली में काम करना स्वीकार नहीं किया और अपने तरीके से कला कृतियों को बनाने की कोशिश की. उनमें से एक सबसे महत्वपूर्ण कलाकार “यूजीन डेलाक्रोइक्स” था, जिनकी कलाकृतियाँ काफी क्रांतिकारी और नए तत्वों से भरी हुई थीं. जैसा कि ऑस्ट्रियाई मूल के कला इतिहासकार “ई एच गोमब्रिच” बताते हैं: “वह खुद व्यापक और चिंतित सहानुभूति के साथ एक जटिल चरित्र था, और उसकी सुंदर डायरी दिखाती है कि उसने कट्टर विद्रोही के रूप में होने का आनंद नहीं लिया होगा. यदि उन्हें इस भूमिका में लिया गया था, क्योंकि वह अकादमी के मानकों को स्वीकार नहीं कर सके. यूनानियों और रोमवासियों की तरह रेखा-चित्र पर जोर देने और शास्त्रीय मूर्तियों की निरंतर नकल करने का उनके पास कोई धैर्य नहीं था. उनका मानना था कि, चित्रकला में रंग, उद्रेख से अधिक महत्वपूर्ण हैं, और ज्ञान की तुलना में कल्पना.“ (गोम्ब्रिच, 1995: 504).

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इस अवधि के दूसरे क्रांतिकारी कलाकार “गुस्ताव कोर्टबेट” थे, जिन्होंने अपनी प्रारंभिक कला की शिक्षा स्वच्छंदतावादी कलाकार “यूजीन डेलाक्रोइक्स” से प्राप्त की. यह माना गया है कि कलाकार “गुस्ताव कोर्टबेट” की पेंटिंग “द स्टूडियो ऑफ़ द पेंटर” (चित्र 1) को पेरिस में दूसरी अंतरराष्ट्रीय कला प्रदर्शनी में खारिज कर दिया गया because था क्योंकि उन्होंने इसे स्वीकृत कला परंपरा के अनुसार चित्रित नहीं किया था. उन्होंने अपना विरोध व्यक्त करने के लिए आधिकारिक सीमाओं के बाहर इस चित्र का प्रदर्शन किया, जिसने अन्य कलाकारों को प्रोत्साहित किया, जो सरकार की चयन प्रक्रिया से संतुष्ट नहीं थे. हालांकि यह घटना सरकार के लिए कोई बड़ा मुद्दा नहीं था, लेकिन कलाकारों के लिए यह पहला कदम था कि वे व्यक्तिगत रूप से लोगों के बीच अपने विचारों का संचार करें. कलाकारों के लिए व्यक्तिगत रूप से लोगों के बीच अपने विचारों को संप्रेषित करने के लिए यह पहला कदम था.

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“द स्टूडियो ऑफ़ द पेंटर”
आधुनिक कला के इतिहास में कुछ प्रमुख कला आंदोलन थे, जो कला के क्षेत्र में नई और रोमांचक संभावनाओं का पता लगाने के लिए तैयार किए गए थे. इन आंदोलनों ने न केवल कला में महत्वपूर्ण विकास किया, बल्कि बाद के कलाकारों के लिए नए रास्ते भी खोले. पेरिस में हर साल एक राष्ट्रीय कला प्रदर्शनी होती थी,  पूर्व समय में पोप और राजा इस प्रदर्शनी के because लिए कलाकृतियों का चयन करते थे. 19 वीं शताब्दी के मध्य के दौरान, चयन प्रक्रिया नेपोलियन … के नियंत्रण में आ गई थी. अधिकांश कलाकार अपनी कलाकृतियों को राष्ट्रीय कला प्रदर्शनी में भेजते थे, क्योंकि यह उनकी कलाकृतियों को प्रदर्शित करने का एकमात्र तरीका और स्थान था. यह उनके लिए आर्थिक रूप से भी फायदेमंद था, क्योंकि सरकार प्रदर्शनी से चुनिंदा कलाकृतियाँ खरीदती थी. चूँकि अधिकांश कलाकार एक पूरे वर्ष अंतराल में केवल एक ही कलाकृति कला का निर्माण कर पाते थे, यह वास्तव में उनके लिए निराशाजनक होता था यदि उनकी कला कृतियों को उन प्रमुख प्रदर्शनियों में स्वीकार नहीं किया जाता है.

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नेपोलियन … ने 1863 में वार्षिक राष्ट्रीय कला प्रदर्शनी में चार हजार से अधिक कला कार्यों को अस्वीकार कर दिया जिसकी वजह से कला की दुनिया में एक महत्वपूर्ण बदलाव आया . जब नतीजतन, एक स्वतंत्र कला आंदोलन उन कलाकारों द्वारा विकसित किया गया था जिनकी कलाकृतियों को प्रदर्शनी के लिए अस्वीकार कर दिया गया था. इससे लोगों को उन कई कलाकृतियों की अस्वीकृति के पीछे के कारण को जानने में गहरी दिलचस्पी दिखाई गई और सरकार के लिए उन कलाकृतियों की एक प्रदर्शनी आयोजित करना आवश्यक हो गया. एक दृष्टिकोण से, प्रदर्शनी सफल रही क्योंकि इसने बड़ी भीड़ को आकर्षित किया था; because हालाँकि, कई लोगों ने पूरी कला प्रदर्शनी की आलोचना की. चित्रकार “एडुअर्ड मानेट” का विशाल तेल कैनवास “ले डीजुनर सुर लैरबी” (चित्र 2) उस प्रदर्शनी में सबसे अधिक आलोचना की गई पेंटिंग थी, क्योंकि उन्होंने दो पुरुष आकृतियों के बीच एक नग्न महिला आकृति चित्रित की थी. हालांकि “एडुअर्ड मानेट” से पहले कई कलाकार थे, जिन्होंने इस तरह के विषय को चित्रित किया था, “एडुअर्ड मानेट” के चित्र में नई विशेषता इसका समकालीन और सामाजिक विषय था. “एडुअर्ड मानेट” के चित्र में नग्न महिला-आकृति समकालीन समाज का प्रतिनिधित्व करती है, जबकि पहले की कलाकृतियाँ या तो पौराणिक कथाओं और धर्म से जुड़ी थीं या यूनानियों और रोमन कलाओं की नकल से संबंधित थीं.

डीजुनर

“ले डीजुनर सुर लैरबी”
यदि हम इस चित्र को विश्लेषणात्मक रूप से देखते हैं, तो हम नग्न महिला आकृति को एक वेश्या के साथ जोड़ सकते हैं और शायद कलाकार का उद्देश्य समाज को एक ही संदेश देना था. अगले वर्ष राष्ट्रीय कला प्रदर्शनी आयोजित की गई और “एडुअर्ड मानेट”  के नए चित्र, “ओलंपिया” (चित्र 3) की फिर से आलोचना की गई. इस बार उन्होंने कैनवास के अग्रभूमि में because पड़ी एक नग्न महिला-आकृति को चुना था, जिसमें एक अंधेरे में चित्रित महिला ने उसे फूलों का गुलदस्ता पेश किया था . हालांकि, यह फिर से चित्रों का एक पुराना विषय था; लेकिन इस चित्र में एक धारणा है कि “एडुअर्ड मानेट” ने इस चित्र के लिए ओलंपिया को शीर्षक के रूप में चुना था, जो ग्रीस में एक देवी का नाम था.

डीजुनर

“ओलंपिया”
जैसा कि हमने देखा है, 19 वीं शताब्दी के मध्य के कलाकारों ने अकादमिक, पौराणिक और अनुकरणीय विषयों के बजाय समकालीन विषयों को चित्रित करना शुरू कर दिया था. यह उल्लेखनीय है कि “एडुअर्ड मानेट” के because चित्र “ले डीजुनर सुर लैरबी” और “ओलंपिया” कलाकारों के लिए अपनी आंतरिक भावनाओं और विचारों को व्यक्त करने के लिए पहला कदम था. कई चित्रकार और मूर्तिकार जो लंबे समय से एक ही दिशा में काम कर रहे थे, उस समय से उन्हें अपने काम को जारी रखने के लिए ऊर्जावान प्रोत्साहन मिलना शुरू हुआ.

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“प्रभाववाद” कला के इतिहास में महान कला आंदोलनों में से एक था और 19 वीं शताब्दी के मध्य और बाद की अवधि के बीच “स्वच्छंदतावाद” के खिलाफ विरोध के रूप में उभरा. “प्रभाववाद” विषयों, तकनीकों और रंग अनुप्रयोगों के संदर्भ में एक संपूर्ण परिवर्तन था. हालांकि “प्रभाववाद” ने चित्रकला में शुरुआत की, यह बहुत जल्दी संगीत और साहित्य के क्षेत्र में फैल गया. अप्रैल 1874 में, कलाकारों के एक समूह ने पेरिस में अपने एक दोस्त के स्टूडियो में लोगों के लिए because अपनी कला कृतियों का प्रदर्शन किया और इस कार्यक्रम को कला के इतिहास में पहली प्रभाववादी प्रदर्शनी के रूप में जाना गया. कलाकार “क्लाउड मोनेट” ने पहली बार अपना चित्र “इंप्रेशन, सनराइज” (चित्र 4) को दिखाया, because जिसने एक कला समीक्षक और नाटक लेखक, “लुई लेरॉय” को प्रदर्शित कलाकारों के लिए “प्रभाववादी” नाम का आविष्कार करने में मदद की. प्रभाववादियों ने न केवल “क्लासिकवाद” के अकादमिक और अनुकरणीय विषयों को चित्रित करने से इनकार कर दिया, बल्कि उन्होंने “स्वच्छंदतावाद” के कल्पनाशील और चित्रण विषयों पर काम करने से भी इनकार कर दिया. वे अपने स्टूडियो से बाहर आए और अनायास ही प्रकृति और दैनिक जीवन के दृश्यों को चित्रित करना शुरू कर दिया. अतीत में कई कलाकार थे जिन्होंने एक ही तरह से प्रकृति को चित्रित किया था;  लेकिन उनके कला कार्यों और प्रभाववादियों के बीच एक बड़ा अंतर था.

डीजुनर

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“इंप्रेशन, सनराइज” 
“प्रभाववादियों“ के लिए वस्तुओं की तुलना में वस्तुओं की रोशनी और छाया को चित्रित करना अधिक महत्वपूर्ण हो था. जैसा कि उनकी प्राथमिक चिंता केवल प्रकाश और छाया को चित्रित करने के लिए थी, उन्होंने एक वस्तु के कई चित्रों का उत्पादन किया. हालांकि इनमें से कुछ कलाकृतियां समान विषयों को चित्रित करती हैं, फिर भी वे प्रकाश के प्रभावों पर ध्यान केंद्रित करने के कारण कला के क्षेत्र में पूरी तरह से अभिनव थे. उदाहरण के लिए, प्रभाववाद के अग्रणी कलाकार, “क्लॉड मोनेट” ने अलग-अलग समय में “रूएन कैथेड्रल” के लगभग अड़तीस चित्रों को चित्रित किया. इसके अलावा, “प्रभाववादियों“ ने कैनवस पर रंगों के अपने कार्यान्वयन को बदल दिया था. because वे विलय किए गए रंगों के बजाय रंगों के शुद्ध मोटे स्ट्रोक कैनवास लगाते थे, जैसा कि कलाकार पहले लागू नहीं करते थे. उन्होंने रंग- पैलेट में मिश्रण किए बिना प्राथमिक रंगों का उपयोग करने की कोशिश की. रंगों के उनके वैज्ञानिक उपयोग ने दर्शकों के लिए एक भ्रम पैदा किया, और उन्हें अपने रंगों की चमक को बनाए रखने में भी मदद की. कला विषयों की तुलना में रंग आवेदन की ये तकनीक प्रभाववादियों के लिए अधिक महत्वपूर्ण हो गई. यदि हम पहले की अवधि के कला-कार्यों के बारे में सोचते हैं, जैसा कि प्रभाववाद के विपरीत, चित्रों के विषय तकनीकों की तुलना में अधिक महत्वपूर्ण थे. प्रभाववाद के इन गुणों ने युवा कलाकारों के लिए एक दृष्टि विकसित की है और उन्हें काफी मदद की है.

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ऐसे कई कलाकार थे जिन्होंने जीवन भर प्रभाववाद से  विकसित शैली में चित्रण किया लेकिन कुछ कलाकार संतुष्ट नहीं थे. उन्होंने 1877 तक प्रभाववाद की संगति छोड़ दी, और स्वतंत्र रूप से काम करना प्रारम्भ किया. प्रभाववाद का कला-कार्य, कला के क्षेत्र में एक पूरी तरह से नया विकास था और लोगों ने इस तरह के कलाकृतियों को पहले नहीं देखा था, इसलिए प्रभाववादियों के लिए समाज में खुद को स्थापित करना आसान नहीं था. जबकि इससे पूर्व में “सैलून” नाम because की राष्ट्रीय कला प्रदर्शनी के लिए जिन कलाकृतियों का चयन किया गया था, उन्हें आसानी से सरकार द्वारा खरीदा जा सकता था. निष्कर्ष रूप में प्रभाववादियों के लिए अपनी कलाकृतियों को बेचना काफी कठिन था. दरअसल प्रभाववादियों ने व्यापक और निरंतर प्रचार प्राप्त किया; लेकिन कुछ ही अमीर कला प्रेमी ऐसे थे जो कलाकृतियों को खरीदने के लिए काफी इच्छुक थे. मुख्यतः because प्रभाववादी समूह के कलाकारों के शुरुआती बंटवारे का सबसे महत्वपूर्ण कारण गलतफहमी के साथ-साथ उनके दोहराए गए काम भी हैं. जैसा कि हमने ऊपर चर्चा की है. ऐसे कई कलाकार थे जिन्होंने सोचा था कि अगर वे केवल वस्तुओं की रोशनी और छाया को चित्रित करते हैं, तो वे केवल कला के काम को दोहराएंगे और कला का पुनरुत्पादन सही रचनात्मकता से बहुत दूर है.

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लगभग पैंसठ प्रभाववादी कलाकार थे, जिनमें से केवल ‘पिसारो” नामक चित्रकार ने प्रभाववादियों  की सभी आठ कला प्रदर्शनियों में अपनी कलाकृतियों का प्रदर्शन किया. because चित्रकार “पॉल सेज़ान” ने प्रभाववादी समूह के साथ दो बार अपने चित्र प्रदर्शन किये, लेकिन कला-इतिहासकारों ने उन्हें उत्तर प्रभाव-वाद का एक स्तंभ बना दिया है. because चित्रकार ‘पॉल गौगिन” ने पांच बार प्रदर्शन किया, लेकिन उनकी परिपक्व प्रतीकवादी कला प्रभाववादी  समूह के काफी विरोधी बन गई. कुछ प्रभाववादियों ने अपनी तकनीक, रूप और रंगों के अनुप्रयोग को काफी विकसित किया, जबकि उन्हें यह भी नहीं पता था कि उनका कला का काम, कला के क्षेत्र में एक नया विकास होगा. यदि हम गंभीर रूप से सोचते हैं, तो हम यह मान सकते हैं कि यह प्रभाववाद था जिसने विभिन्न कलाकारों को अपनी कला कृतियों में नई संभावनाओं का पता लगाने में मदद की है.

डीजुनर

उत्तर प्रभाव-वाद में तीन महान चित्रकार थे, जिनका आधुनिक कला पर व्यापक प्रभाव था. आधुनिक कला के विकास में उनके नामों का उल्लेख करना महत्वपूर्ण है क्योंकि उन्होंने कला को एक नई दिशा दी. सबसे पहले, हम “पॉल सेज़ान” की चर्चा करेंगे, जिन्हें आज आधुनिक कला के पिता के रूप में जाना जाता है. हालांकि, वह because पहले प्रभाववाद से जुड़े थे; बाद में अलग हो गए. उन्होंने अपने जीवन के शेष दिनों में अकेले ही काम किया. यदि हम “पॉल सेज़ेन” के सिद्धांत का विश्लेषण करते हैं तो हम मान सकते हैं कि किसी वस्तु का सार अकादमिक चित्र के बजाय उसके ज्यामितीय आकृतियों पर निर्भर करता है, जैसा कि उन्होंने कहा है, “सिलेंडर, गोले, शंकु के माध्यम से प्रकृति का पालन करें” “पॉल सेज़ेन” ने यह भी सोचा कि वस्तुओं के बारे में पूर्व धारणा विचारों और निर्माण के विकास में बाधा थी; इसलिए उन्होंने कहा, चीजों को देखने की उनकी इच्छा “एक आदमी की तरह है जो अभी पैदा हुआ है”

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स्टिल लाइफ़ 
इस अवधि के दूसरे महान चित्रकार ‘पॉल गौगिन” थे, जिन्होंने आधुनिक कला के because लिए रंगों और रूपों के मामले में एक नया आयाम लाया. “आधुनिक कला के अग्रदूत ‘पॉल गौगिन” जो केवल प्रकृति की नकल करने के लिए संतुष्ट नहीं थे, लेकिन भावनाओं की एक नई तीव्रता और अभिव्यक्ति की एक नई सहजता के साथ इसके अंतर को पकड़ने की इच्छा रखते थे. ‘पॉल गौगिन” की कलाकृतियों में सजावटी तत्वों का एक सामान्य उपयोग था, लेकिन उनके चित्रों और मूर्तियों के बारे में उनके विचार पूरी तरह से सार थे. because ‘पॉल गौगिन” के चित्रों में रंग का प्रतीकात्मक उपयोग था क्योंकि उन्होंने अपने वास्तविक रंगों में वस्तुओं को चित्रित नहीं किया था. उदाहरण के लिए, उनके एक चित्र में  “हम कहाँ से आते हैं?  हम क्या हैं?  हम कहा जा रहे है? (चित्र 5) न केवल गौगिन की शैली के मौलिक परिवर्तन के लिए प्रसिद्ध है, बल्कि यह उनके रंग अनुप्रयोग के लिए भी जाना जाता है. गौगिन की कलाकृतियाँ न केवल किसी पूर्व निर्मित विधियों और तकनीकों से मुक्त थीं बल्कि कला आंदोलनों और कला विद्यालयों से भी मुक्त थीं. वास्तव में उनकी अधिकांश कलाकृतियाँ उनके व्यक्तित्व का प्रतिबिंब हैं.

“हम कहाँ से आते हैं? because हम क्या हैं?  हम कहा जा रहे है? 
इसी तरह, उनके चित्रों के किनारों के आसपास की निर्भीक और साहसिक because रेखाएं वस्तु की दृढ़ता दिखाती हैं. जीवंत और प्राथमिक रंगों के उपयोग उनकी भावनाओं का प्रतीकात्मक प्रतिनिधित्व करते हैं.

अंत में, इस अवधि के प्रतिभा के तीसरे चित्रकार “विन्सेन्ट वान गॉग” थे, जिन्होंने एक बार अपने भाई को लिखा था, “मैं मानवता, मानवता और फिर से मानवता को चित्रित करना because चाहता हूं.” “विन्सेन्ट वान गाग” के जीवन का एकमात्र उद्देश्य मानवता को चित्रित करना और लोगों में प्रेम का संदेश फैलाना था. यद्यपि वह कला के इतिहास में सबसे दुखद आंकड़ों में से एक था, उनकी व्यक्तिगत शैली ने बाद के वर्षों में कईbecause कलाकारों को प्रभावित किया है. यह सुझाव दिया गया है कि विन्सेंट के कला कार्यों की प्रेरणा के कारण “अभिव्यक्तिवाद” अस्तित्व में आया है. आजकल वह कला के इतिहास में एक सबसे उल्लेखनीय नाम है, हालांकि उनके दौर में शायद ही कोई ऐसा व्यक्ति था जिसने उनकी प्रतिभा को पहचाना होगा. हालाँकि उन्होंने अपने पूरे जीवन में केवल कुछ चित्र ही बेचे हैं, लेकिन आज उनके चित्रों की मांग पूरी दुनिया के कला प्रेमियों द्वारा की जाती है.

जीवन

तारामय रात 
निष्कर्ष में,कला एक अज्ञात गंतव्य की ओर रचनात्मकता की एक सतत प्रक्रिया रही है. आधुनिक कला के इतिहास में बहुत से कला “वाद” रहे हैं और भविष्य में भी विभिन्न कला “वाद” आएंगे . ज्यों- ज्यों कलाकार नए कला आयामों को खोजेंगे, नए आविष्कार करेंगे, अवश्य ही नये आंदोलनों, कला “वादों” का जन्म होगा क्योंकि रचनात्मकता का कोई अंत नहीं है. because कला वही है जिसमें नयापन है, समकालीन है या यों कहूं जो “एकमात्र” है. कला के सबसे महत्वपूर्ण अंग इसके विषयवस्तु और तकनीक हैं और ये तत्व हमें विभिन्न कला परंपराओं को जानने में मदद करते हैं. जैसा कि ज्यादातर लोगों को कला तत्वों और कला आंदोलनों की जानकारी नहीं होती. वे अभी भी यही सोचते हैं कि वस्तुओं की सटीक नकल करना एक “वास्तविक कला” है. जिस चित्रकार ने जितना हूबहू चित्र बनाया, वह उतना ही बड़ा कलाकार. इस तरह की मिथ्या और अनभिज्ञ  अवधारणा में दर्शक ही नहीं बल्कि बहुत से चित्रकार भी रहते हैं. because अतीत में कलाकारों के लिए चित्रों का विषय ही महत्वपूर्ण था क्योंकि वे हमेशा अपने चित्रों मैं कुछ कहानियों को चित्रित करना चाहते थे, हालांकि कला के आधुनिकीकरण के बाद यह पूरी तरह से बदल गया. अब, चित्र विषय के बजाय कला की तकनीक कलाकारों के लिए महत्वपूर्ण है. आज, आधुनिक कलाकार आनंद के विपरीत अपनी कला कृतियों का निर्माण जारी रखते हैं. कला के आधुनिकीकरण ने कलाकारों को सिर्फ नए कला रूपों के अन्वेषण की स्वतंत्रता ही नहीं दी बल्कि रंगो को स्वतंत्र रूप से कला रूपों में निहित करने के मामले में एक स्वतंत्रता दी है जबकि पहले कलाकारों को वस्तुओं के प्राकृतिक रंगों के साथ अकादमिक रूप से आकर्षित करने के लिए प्रतिबंधित किया गया था, अब संपूर्ण स्वतंत्रता है.

यद्यपि

(जगमोहन बंगाणी मूल रूप से उत्तराखंड के चित्रकार हैं जो पिछले कई वर्षों से दिल्ली में स्वतंत्र रूप से कार्यरत हैं. उन्होंने इंग्लैंड से चित्रकला में उच्च शिक्षा प्राप्त की है. because दुनिया भर में अभी तक उनके चित्रों की छह एकल और पचास से अधिक समूह प्रदर्शनियां लग चुकी हैं. उनकी तीस से भी ज्यादा राष्ट्रीय और अंतरराष्ट्रीय कला शिविरों में हिस्सेदारी रही है. पुरुस्कारों में मुख्यतः फोर्ड फाउंडेशन फेलोशिप- यूएसए, जूनियर फेलोशिप- संस्कृति विभाग भारत सरकार, अनुसंधान छात्रवृत्ति- राष्ट्रीय ललित कला अकादमी नई दिल्ली, उत्तराखंड राज्य चित्रकला पुरस्कार और ऑल इंडिया डिजिटल आर्ट पुरुस्कार- आईफेक्स नई दिल्ली, उत्तर क्षेत्र स्वर्ण पुरस्कार- प्रफुल्ला आर्ट फाउंडेशन मुंबई आदि हैं.)